Skip to main content

Ecco i creativi migliori registi che oggi stanno plasmando il futuro del cinema.

Se l’idea della star del cinema è quasi morta nei cinema di oggi, allora chi gestisce il mondo (del cinema )? Perché, sono i registi , ovviamente. Un ragazzo come Chris Pratt potrebbe non girare l’ago quando si tratta di mettere i culi sui sedili, ma c’è una certa eccitazione quando dici che un autore come Jordan Peele o battitori di home run certificati come i Russo Brothers sono legati a un progetto. L’occhio di quel regista può attirare un sacco di attenzione su un film in uscita, dando agli spettatori più di un assaggio di ciò che un film potrebbe essere più di qualsiasi altro attuale raccolto di attori di oggi (nessuna ombra per le leggende e innegabili attrattive al botteghino, cosa pochi ci sono rimasti).

Tuttavia, con così tante associazioni che assegnano così tanti premi in un anno solare, può essere difficile determinare chi lo stia effettivamente facendo. Quali registi stanno costantemente elevando la forma d’arte? Chi è in grado non solo di trarre prestazioni a livello divino dal proprio talento, ma di trovare modi innovativi per offrire regolarmente l’eccellenza cinematografica? Chi è il regista preferito del tuo regista preferito? Lo squadrone di Complex PC sempre in osservazione ha unito le nostre teste collettive per offrirti le nostre scelte per i migliori individui seduti sulla sedia del regista. Per quelli a casa che tengono il punteggio, i criteri principali per questo elenco hanno specificamente guardato ai registi che sono stati attivi negli ultimi cinque anni e avevano più di 2 film a loro nome. 

Dai nuovi studenti che stanno elevando il gioco dei supereroi ai veterani testati dalla guerra che stanno ancora aggiungendo materiale acclamato alla loro eredità, queste sono le nostre scelte per i migliori registi che fanno film in questo momento.

Paul Thomas Anderson

thomas anderson

Anni di attività : 1988-presente
Film importanti : The Master , Inherent Vice , Phantom Thread

A dire il vero, Paul Thomas Anderson è stato un gioiello dalla fine degli anni ’90; non molti cineasti possono dire di aver lasciato cadere una pepita come Boogie Nights, un classico del porno chic del 1997, per poi seguirlo nel pezzo corale di Tom Cruise di Magnolia (1999). Ha anche regalato ad Adam Sandler uno dei suoi pochi classici pre- Uncut Gems , Punch-Drunk Love del 2002 . Anderson ha un talento per creare sguardi stimolanti su persone spezzate, con un impressionante lavoro di ripresa e colonne sonore e selezioni musicali che si traducono in alcune delle esperienze visive più memorabili che gli spettatori hanno visto e visto di nuovo.

La sua serie impressionante è continuata negli ultimi 10 anni; l’attore preferito da tutti, Joaquin Phoenix, ha continuato la sua serie senza dubbio ininterrotta di film stellari con due provenienti dalla mente di Anderson, The Master del 2012 e Inherent Vice del 2014 . Il vero punto di forza per il migliore che abbia mai fatto (in questo momento) è il filo fantasma del 2017, che è diventato il canto del cigno perfetto per Daniel Day-Lewis come sarto che ha trovato la sua musa ispiratrice. Il film non solo ha vinto i migliori costumi ai 90esimi Academy Awards, ma ha anche ricevuto nomination per il miglior regista, il miglior attore, la migliore attrice non protagonista e la migliore colonna sonora originale. Un vero capolavoro cinematografico, e mette in evidenza che dopo aver già sfornato cinema davvero eccellente, Anderson ha ancora quel fuoco per continuare a creare alcuni dei migliori lavori di oggi per il grande schermo. — Khali

Parco Chan-wook

Parco Chan wook

Anni di attività : 1992-presente
Film importanti : Oldboy , Thirst , The Handmaiden

Con l’eccezionale film hitchcockiano di Bong Joon-Ho, Parasite, dannatamente vicino a spazzare via la 92esima edizione degli Oscar, il 2019 potrebbe essere il momento di citare l’anno in cui il cinema sudcoreano è ufficialmente “arrivato” sulle principali coste americane. Quelli di noi sanno che Hallyuwood ha resistito alla sua controparte occidentale per decenni ormai, e in termini di thriller, probabilmente l’ha eclissata. Nessun regista ha più responsabilità per questo del re del brivido regnante nel mondo, Park Chan-wook.

Come molti occidentali, la mia introduzione ai thriller sudcoreani è avvenuta tramite il tour de force Oldboy (2003) di PCW . La macchina da presa diretta, l’onestà del cazzo nello sviluppo del personaggio e il cuore davvero bello al centro della storia, non erano come niente che Hollywood mi avesse mai mostrato. Sono stato agganciato. Divorando rapidamente ogni thriller SK Blockbuster aveva da offrire, ho fatto l’unica cosa che un ragazzino di 14 anni poteva fare prima dei torrent: ho pregato mia madre di portare il mio culo bianco a Little Korea a Palisades Park, NJ e ho setacciato tra scaffali di I DVD hanno felicemente sborsato ogni centesimo che avevo.

Più di 100 film dopo, mi sono ritrovato ancora a gravitare sul catalogo di PCW: tra una libreria di film sudcoreani, il lavoro di Park si è distinto, pur continuando a surclassare qualsiasi cosa gli studi occidentali avessero da offrire. Questo fino a Stoker(2013). Il debutto americano di PCW racconta la storia di una ragazza ritirata e di sua madre emotivamente disturbata che si infatua del misterioso zio della ragazza dopo la morte del padre. Ogni riserva che avevo su Hollywood che spremeva la magia dal lavoro di Park come aveva fatto a tanti registi stranieri prima è stata messa a tacere solo pochi secondi dal sussurro assordante di India Stoker (Mia Wasikowska). Ancora una volta Park ha usato ogni abilità a sua disposizione per portarci nel paesaggio più accattivante e assolutamente terrificante del film: le menti dei suoi personaggi. Più lo riguardavo e più iniziavo ad apprezzare il suo set di abilità, un set di abilità che non si vedeva dai tempi del maestro della suspense in persona, il GOAT Alfred Hitchcock.

La capacità di Park di strappare la tensione da ogni aspetto dei suoi film è culminata nel thriller del 2016 The Handmaiden . Ambientato all’inizio del XX secolo in Corea, un truffatore escogita un piano per ingannare un’ereditiera giapponese dalla sua eredità. Sia il gioco di ombre che l’illuminazione evocano lo stesso terrore gotico di Rebecca di Hitchcock (1940), mentre l’ampia gamma di costumi e colori utilizzati per esprimere i tratti e la mentalità dei personaggi fa subito paragone con La finestra sul cortile (1954) o Vertigo (1958). L’unico difetto che tocca questo insta-classic è il fatto che non abbastanza persone lo hanno visto.

Trasmetti in streaming, noleggia, acquista, fai tutto ciò che devi per correggere questo errore. Park Chan-wook non merita solo di essere guardato da un pubblico più ampio, ma da un mondo di registi. Possono senza dubbio imparare tanto da questo maestro moderno quanto lui dai maestri del passato. Il film sarà migliore per questo. — Nate Houston

Fratelli Coen

fratelli Coen

Anni di attività : 1984-presente
Film importanti : Non è un paese per vecchi , Inside Llewyn Davis , La ballata di Buster Scruggs

Se volessi sostenere che i Coen sono i migliori registi americani degli ultimi 30+ anni, potresti farlo facilmente. Miller’s Crossing , Barton Fink , Fargo , The Big Lebowski , Non è un paese per vecchi , A Serious Man – il loro lavoro è un singolare viaggio attraverso generi e stati d’animo diversi, e i momenti salienti sono impeccabili.

Spostare l’attenzione sugli ultimi dieci anni forse rende l’argomento per il loro posto in questa lista un po’ più complicato, ma anche allora una gemma sottovalutata con l’uscita omnibus di Netflix The Ballad of Buster Scruggs e un vero capolavoro con Inside Llewyn Davis . ( True Grit e Hail, Caesar! sono spesso ispirati ma non sembrano essenziali, anche se la sensibilità sballata di quest’ultimo, una parodia della Hollywood paranoica comunista negli anni ’50, è una parte cruciale della personalità dei Coen, anche se uno meglio espresso in, diciamo, Raising Arizona .) 

Ambientato tra la scena folk di New York, intorno al 1961, Inside Llewyn Davisè una rappresentazione che fa riflettere di non essere abbastanza bravo, di fallimento, di auto-sabotaggio. È cupamente divertente, ma il sapore persistente è amaro e inquietante: potrebbe essere il film più devastante della filmografia dei Coen. Llewyn Davis (interpretato da Oscar Isaac con vera rabbia e impazienza) è un cantante folk bloccato ai margini di una scena che sta per diventare un terreno artistico molto fertile per alcuni, per non parlare delle possibilità finanziarie. Senza dubbio ha talento, ma è intransigente e senza alcun talento per l’autoconservazione: fa incazzare tutti quelli che lo circondano. È intrappolato in una trappola e oltre a cantare e scrivere canzoni, il suo talento sta facendo lavorare quella trappola più duramente; anche la sceneggiatura geniale è una sorta di puzzle, un lugubre ciclo che sembra non offrire scampo. All’interno di Llewyn Davisè un lavoro maturo del periodo successivo che getta uno sguardo freddo su grandi domande sul valore di mercato e se il cambiamento è possibile; ti fa quasi preoccupare di dove potrebbero guidare i tuoi sentimenti in questo nuovo decennio. — Ross Scarano

Ryan Coogler

Ryan Coogler

Anni di attività : 2009-presente
Film importanti : Fruitvale Station , Creed , Black Panther

Cosa non può fare Ryan Coogler? Ha riportato pathos e passione nella saga di Rocky. Si trovava all’incrocio tra le aspettative e l’onere della rappresentazione e ha consegnato un supereroe nero da un miliardo di dollari, portando nel processo l’atmosfera d’autore e gli Academy Awards all’MCU. E ha ancora solo tre lungometraggi a suo nome. La progressione della filmografia di Cooger è la materia di cui sono fatti i sogni della scuola di cinema. Indie acclamato. Piacevole al pubblico di fascia media mainstream. Blockbuster. Dallo studio grezzo del personaggio che ha documentato l’ultimo giorno di Oscar Grant all’introduzione formale della cultura pop in Wakanda, con la rinascita del franchise Creedin mezzo a loro, Coogler ha preso d’assalto l’ultima metà degli anni 2010 come uno dei nuovi antipasti più entusiasmanti a scendere in campo. Attraverso una tragedia indipendente, un dramma sportivo e uno spettacolo di supereroi, il denominatore comune nei suoi film, a parte Michael B. Jordan, è la sua capacità di radicare e distillare ogni storia, indipendentemente dal genere, fino alle emozioni umane più pure e riconoscibili. Anche tra le vertiginose scene di boxe e le città futuristiche, la serietà del suo debutto Fruitvale Station persiste nelle sue narrazioni. Creed , Black Panther : superuomini in superficie, uomini che combattono una vita di problemi di papà in profondità. E soprattutto, nelle mani di Coogler, nessun tema è abbastanza inebriante da crogiolarsi nella serietà, anche una storia oscura come quella di Oscar. Di persona, Coogler è timido e riservato, ma i suoi film scoppiettano di arguzia e fascino, sovvertendo una mancanza di gioia di cui molti dei suoi coetanei sarebbero vittime ogni volta.

Parla del grande talento di Coogler il fatto che la conferma che sta davvero tornando per Black Panther II del 2022 raccolga sollievo e diffidenza. Il suo marchio è così indelebile che nessuno vuole vedere la proprietà nelle mani di qualcun altro. Eppure il suo talento è così illimitato che sarebbe un peccato vederlo inghiottito nel sistema dello studio. — Frazier Tharpe

Alfonso Cuarón

Alfonso Cuarón

Anni di attività : 1981-presente
Film importanti : Y Tu Mamá También , Gravity , Roma

Se Alfonso Cuarón viene ricordato solo per una cosa, sarebbe che ha aiutato Netflix a realizzare pienamente i suoi sogni di premiazione cinematografica. Uno dei pochi registi in questa lista ad aver vinto due Oscar come miglior regista nell’ultimo decennio (uno nel 2013 per Gravity , il secondo per Roma del 2018 – che lo ha reso il primo regista latinoamericano a vincere questo premio), il semi-autobiografico Roma di Cuarón è stato l’epico film Netflix che potrebbe. Ambientato nei primi anni ’70, il film (raccontato con coraggio in bianco e nero) seguiva la domestica di una famiglia della classe media dell’epoca. Gocciolante di simbolismo, Romaha catturato un periodo intrigante in Messico, sia socialmente che politicamente, ed è stato un favorito facile quell’anno durante gli Academy Awards, vincendo anche l’Oscar per il miglior film in lingua straniera e per la migliore fotografia. È stato il fiore all’occhiello del AWARD SZN fit di Netflix, mettendo in evidenza che quando arrivano per ottenere i loro Oscar, sono effettivamente in grado di lavorare con le case di produzione veterane.

Tenete a mente, Cuarón ha fatto più o meno la stessa cosa cinque anni prima con Gravity di Sandra Bullock e George Clooney , ed era stato un beniamino della critica negli Stati Uniti per Y Tu Mamá También del 2001 . Per non parlare del fatto che Mans ha anche diretto quello che è probabilmente uno dei migliori film di Harry Potter della serie, Harry Potter e il prigioniero di Azkaban del 2004 . Siamo un regista poliedrico. — Khali

Guillermo del Toro

Guillermo del Toro

Anni di attività : 1985-presente
Film importanti : Hellboy , Il labirinto del fauno , La forma dell’acqua

Uno degli articoli più deprimenti su Wikipedia è “I progetti non realizzati di Guillermo del Toro”. Pochi registi hanno lavorato di più su film che non sono mai stati realizzati. E il truccatore messicano di effetti speciali diventato regista ha probabilmente passato migliaia di ore a scrivere e concettualizzare adattamenti non filmati, sequel e originali intriganti come The Bloody Benders , 3993 , e il film d’animazione in stop-motion Born . Ma non è per mancanza di visione o di follow-through: quando Guillermo del Toro fa un film, gli spettatori sono trattati in un mondo strano e bello che non hanno mai visto prima. 

Quando un film personale trova la sua strada dalla penna di Guillermo del Toro al cineplex, fonde horror e storie emotive di romanticismo e famiglia in opere profondamente originali come il sottovalutato Crimson Peak del 2015 e The Shape of Water del 2017 , il film di mostri con un cuore per il quale ha vinto come miglior film e miglior regista ai 90esimi Academy Awards. E quando del Toro presta la sua strabiliante sensibilità visiva al concetto di qualcun altro, fonde l’animazione digitale e gli effetti in camera più tradizionali per una festa visiva anche in film popcorn più convenzionali come Pacific Rim , Blade II e i primi due film di Hellboy . 

Se Guillermo del Toro è il Tim Burton del suo tempo, è riuscito a non perdersi nella salsa di budget più grandi e CGI più generica, assumendo proprietà intellettuali più vecchie e familiari come Burton ha avuto negli ultimi due decenni. Il prossimo progetto di Del Toro, una versione in stop-motion di Pinocchio del 2021 , sembra il tipo di film con cui Tim Burton farebbe oscillare e perdere, ma del Toro è all’apice della sua carriera, dopo il successo di The Shape of Water . E anche quando del Toro si allontana da un progetto, probabilmente è per il meglio: la trilogia di Hobbit e il terzo film di Hellboy dell’anno scorso probabilmente sarebbero stati meglio se fosse rimasto sulla sedia del regista, ma i film che abbiamo invece sono valsi la pena aspettare . — Al Shipley

Claire Denis

Claire Denis

Anni di attività : 1988-presente
Film importanti : Chocolat , Let the Sunshine In , High Life

Ci sono pochi registi al livello di Claire Denis che lavorano oggi. L’audace regista francese crea film visceralmente sentiti con dettagli sensuali, emozioni crude e verità spesso scomode sulla natura umana. Il suo ultimo, High Life , uscito l’anno scorso, vede Robert Pattinson da solo nello spazio con la sua bambina dopo un esperimento condotto male da un detenuto condotto da un dottore pazzo (Juliette Binoche). Questo bizzarro film di fantascienza affronta il concetto di consenso e libertà e ridefinisce il puro terrore dello spazio aperto. È decisamente diverso dal suo film dell’anno precedente: Let the Sunshine In, un dramma romantico sulla relazione fallita di una donna dopo l’altra (con ancora Binoche). Sebbene all’inizio possa sembrare non Denis, alla fine trova il suo autore radicato in una vena nichilista e nell’invito a un sentimentalismo non filtrato. Sebbene lo stile di Denis sia spesso enigmatico, non ti lascia semplicemente stare lì seduto a essere uno spettatore passivo. Sia che stia girando una violenza estrema (come nel suo controverso horror cannibale Trouble Every Day del 2003 ) o la massima tenerezza (come il film d’amore del 2002 Friday Night ), Denis lo fa con una soggettività nauseante. Ed è questo che la rende così brillante: che i suoi film siano per te o no, è impossibile scuoterla. — Kristen Yoonsoo Kim

Greta Gerwig

Greta Gerwig

Anni di attività : 2006-presente
Film importanti : Lady Bird , Piccole donne

Prima che Greta Gerwig dirigesse il suo primo film, ha sentito tramite il suo agente che Amy Pascal, alla Sony, stava tenendo riunioni su un nuovo adattamento di Piccole donne , un libro che Gerwig aveva sentito prima di leggerlo, quando sua madre lo lesse ad alta voce. Un’acclamata presenza delle indie americane per il suo lavoro divertente e sfacciato come attrice, Gerwig ha avuto anche numerosi crediti di co-scrittrice a questo punto, tra cui Frances Ha – un precursore significativo del suo lavoro come regista – e un co- dirigendo il credito al fianco di Joe Swanberg nella commedia a microbudget sulle relazioni a lunga distanza del 2008 Nights and Weekends . Ma, come le ha detto il suo agente, “Nessuno studio ti assumerà per dirigere un film se non hai diretto un film”. Al che Gerwig ha risposto: “Questa è semantica”. 

Sembra un po’ come Jo March stia negoziando congegni della trama e diritti d’autore con il suo editore nel film che Gerwig alla fine ha realizzato. Vale a dire che la 36enne porta le sue idiosincrasie e i suoi interessi nei suoi film, che si tratti di un adattamento di un classico amato o di un’opera completamente originale, come nel caso del suo debutto alla regia nominato all’Oscar del 2017, Lady Bird . (Ha scritto la sua sceneggiatura per Piccole donne e ha avuto il suo incontro prima di Lady Bird .) “Avevo un’idea molto chiara [per il romanzo di Louisa May Alcott]. Per me era così chiaro che il libro parlava di donne, arte e denaro”.

Non solo denaro, ma precarietà finanziaria: è una forza trainante non solo nel suo lavoro di regista, ma anche nelle sue sceneggiature, in particolare Frances Ha e Mistress America . L’ansia per il denaro viene trasmessa attraverso le generazioni, di madre in figlia, in Lady Bird, una storia di formazione tagliente e divertente ambientata a Sacramento nei primi anni 2000. L’invasione dell’Iraq e l’11 settembre aleggiano sullo sfondo, a volte in modo umoristico, come nella battuta di Lady Bird sull’avere una possibilità migliore di entrare in un college di New York a causa delle preoccupazioni per un attacco terroristico. Sua madre e suo padre sopravvivono a malapena e Lady Bird mente su dove vive a un nuovo amico ricco; All’inizio del film, sua madre la spinge a vestirsi in un certo modo per timore che trasmettano un’immagine lacerata e rotta ai suoi ricchi compagni di classe e, cosa più importante, ai loro genitori CEO.

Il film si conclude con Lady Bird che si iscrive alla NYU nel 2003, raggiungendo la East Coast dalla lugubre Sacramento grazie ai prestiti e alla casa di famiglia rifinanziata; si laureerà in tempo per la recessione. Il film non rende esplicito questo presagio, come fa in modo divertente con la battuta del suo ex sui telefoni cellulari e la sorveglianza del governo, ma non è necessario. Il film termina con un taglio brusco al nero, un bordo frastagliato. 

Piccole donne è scritto e diretto con ancora più sicurezza ed elevazione: Gerwig prende la trama lineare di Alcott e la divide in due pezzi, che poi intreccia insieme con un effetto brillante, tagliando tra il caldo passato e il fresco presente. Il suo finale è particolarmente audace, adottando un meta approccio che costringe lo spettatore a fare i conti con il matrimonio, il denaro e la felicità, sminuendo i suoi piaceri anche a suo piacimento. Questa acutezza è solo uno dei tanti doni di Gerwig. — Ross Scarano.

Barry Jenkins

Barry Jenkins

Anni di attività : 2003-presente
Film importanti : Moonlight , Se la strada potesse parlare

Nel febbraio del 2017, Barry Jenkins è diventato solo la seconda persona di colore a dirigere un film che ha vinto l’Oscar per il miglior film; quella statistica è incredibile, ma è più ricordata per la confusione che circonda la vittoria effettiva . Il che fa schifo, ma non dovrebbe togliere il fatto che Moonlight , un film su un ragazzo di colore raccontato durante tre fasi della sua vita, evidenziando la sua maggiore età e il risveglio sessuale; Barry Jenkins lo ha fatto.

Il film non solo ha mostrato quanto fosse impressionante come attore Mahershala Ali, ma ha anche dimostrato una cosa che avevo cantato e conosciuto per tutta la vita, ma la maggior parte delle persone (specialmente nel mainstream) non erano in grado di vedere correttamente: quel nero davvero è bello. È stato detto che il film a colori non è stato fatto per la pelle nera , quindi per Jenkins girare questo film che mette in risalto la bellezza nascosta del popolo nero amplificando letteralmente i toni della nostra pelle in vari stadi di luce? Meritava tutti i premi solo per questo. Il fatto che abbia poi seguito quel film con un adattamento di Se la strada potesse parlare di James Baldwin, in un momento in cui i problemi delle vite dei neri importanti e la necessità di una riforma della giustizia penale erano così prevalenti nel mondo di oggi – e mettevano in fila una regina come Regina King per strappare tutti i premi di quella stagione – è una testimonianza di quanto è davvero d’impatto come regista.

Con solo un paio di film acclamati alle spalle, Jenkins si è guadagnato il diritto di essere in cima alla lista dei “registi da tenere d’occhio”, e meritatamente. — Khali

Rian Johnson

Rian Johnson

Anni di attività : 1995-presente
Film importanti : Brick , Looper , Star Wars: Gli ultimi Jedi , Knives Out

Ci sono pochi registi abili nel lavorare tra i generi come Rian Johnson. Che si tratti di noir ( Brick ), rapina ( The Brothers Bloom ), fantascienza ( Looper ), blockbuster ( Star Wars: Gli ultimi Jedi ) o mistero ( Knives Out ), lo scrittore/regista a doppia minaccia ha rapidamente dimostrato di essere un talento singolare in grado di presentare storie nuove e originali in un mondo sempre più dominato da franchise e prodotti legati alla proprietà intellettuale. 

Mentre la padronanza in sé e per sé è abbastanza ammirevole in questa era moderna, il vero talento di Johnson è proprio quanto bene comprende la malleabilità di ogni stile, piegandoli fino ai loro veri punti di rottura e, in alcuni casi, oltre. Non vale la pena rimarcare la totalità de Gli Ultimi Jedi , ma è utile guardare al perché dietro tutto ciò; invece di sfidare un genere, Johnson ha scelto di smontare un’istituzione. Ovviamente i fan si sarebbero arrabbiati, ma non avrebbero dovuto esserlo. “Lascia morire il passato. Uccidilo, se devi” potrebbe anche essere un grido di battaglia per tutto il lavoro di Johnson, poiché spesso si tuffa e si tuffa su aspettative consolidate e compagnie come Kylo e Rey in quella sala del trono. Considera come escono i coltelliti dà i perché e i percome del crimine grizzly al suo centro nel primo atto e poi procede a rendere il suo personaggio alla Hercule Poirot un idiota maldestro invece di un genio borderline. O come Brothers Bloom non sia tanto un film di rapine quanto una storia sull’amore tra fratelli. E va avanti. Fa parte di una lista di creatori che insistono nel fare le cose a modo loro e fa parte di una lista ancora più piccola in cui ogni progetto mi riempie di genuina attesa dal momento in cui viene annunciato.

Con cinque film al suo attivo, l’opera di Johnson sembra appena iniziata. Per quanto il suo lavoro sia stato emozionante finora, sembra che abbiamo appena iniziato a vedere cosa è capace di fare. Per citare un’altra voce da una galassia molto, molto lontana: “Guarderemo la tua carriera con grande interesse”. — William Goodman

Bong Joon-ho

Bong Joon ho

Anni di attività : 1997-presente
Film importanti : Snowpiercer , Okja , Parasite

Per molto tempo, i registi sudcoreani non sono stati considerati nomi familiari a Hollywood. Ma non sapere chi è Bong Joon-ho nel 2020 potrebbe indicare che stai vivendo sotto una roccia, forse un paesaggio rock metaforico (questo è un piccolo scherzo di Parasite per te). Nella notte degli Oscar di quest’anno, il regista cinquantenne ha fatto la storia conquistando quattro vittorie per il suo tour de force, Parasite ; erano tutte nomination e vittorie per la prima volta per il suo paese d’origine. Sebbene abbia appena ricevuto l’attenzione dell’Accademia, Bong è stato considerato uno dei maestri della new wave coreana negli ultimi 20 anni.

Qualsiasi suo film è un buon punto di partenza per l’abbuffata di Bong, dai suoi sorprendenti drammi criminali realistici ( Memories of Murder , Mother ) ai suoi thriller d’azione fantasy ( The Host , Okja ). È stato il lungometraggio di Bong del 2013 Snowpiercer che lo ha reso un autore più visibile nel mondo occidentale (grazie al suo cast costellato di stelle di Chris Evans, Tilda Swinton e Ed Harris), ma le stelle si sono davvero allineate quando è tornato a tutto- Cast coreano per il suo film sulla guerra di classe Parasite. Entrambi questi film, così come gli altri di Bong, condividono un tema comune che è diventato notevole per il regista: la narrativa delle persone contro l’uomo. Questo interesse è un riflesso del boom economico straordinariamente rapido della Corea del Sud e un omaggio al coinvolgimento del regista nell’attivismo da studente. Nei mondi di Bong, i poveri si ribellano ai ricchi, i cittadini si scontrano con i cittadini scontenti delle aree rurali e le ragazze senza pretese affrontano la corruzione aziendale. — Kristen Yoonsoo Kim

Yorgos Lanthimos

Yorgos Lanthimos

Anni di attività : 2001-presente
Film notevoli : L’aragosta , L’uccisione di un cervo sacro , La favorita

Esattamente cosa mi è venuto in mente la prima volta che ho visto un film di Yorgos Lanthimos? “Questo ragazzo è psicopatico.” Subito dopo: “Di più, per favore!” Questo perché, nell’attuale era di registi blandi e film indistinti, Yorgos è tra i rarissimi il cui lavoro idiosincratico è immediatamente identificabile. I nostri registi preferiti cospargono i loro film di impronte digitali che indicano il loro stile specifico e unico. Per Yorgos Lanthimos, la più importante di queste impronte digitali sono le storie stesse. Giocando come favole per adulti, scarta i confini della realtà sociale e scientifica per magnificare la lezione di fondo. L’aragostaè un perfetto esempio. Ambientato in un mondo in cui gli adulti hanno 45 giorni per trovare un partner romantico o subire le conseguenze di essere trasformati in un animale, esamina l’amore e le relazioni nel nostro tempo moderno con effetti sia esilaranti che allarmante. Le sue storie hanno la qualità di sembrare completamente originali: sono il prodotto della sua immaginazione contorta e non potrebbero esistere in una forma simile da nessun altro.

Anche in L’uccisione di un cervo sacro , forse la sua storia più realistica su un giovane che cerca vendetta su un chirurgo per la morte di suo padre, le sfaccettature più piccole urlano ancora Yorgos (cioè Colin Farrell che discute del pube con Nicole Kidman) L’umorismo nero è un veicolo per esaminare il desiderio più profondo dietro la potatura di noi stessi alla perfezione fino a perdere la nostra stessa umanità; non poteva e non sarebbe stato fatto in questo modo da nessun altro regista. The Favorite , un triangolo amoroso vittoriano, utilizza la precisione della BBC per trasformare parrucche incipriate in trucco da clown e sottolineare l’assurdità dei ruoli di genere.

Il catalogo di Yorgos Lanthimos è un fulgido esempio del perché stile non significa mancanza di sostanza, né la voce è limitata alle parole sulla pagina. Speriamo che l’industria ne prenda atto. Fino ad allora, almeno conosciamo un regista pazzesco che ci farà divertire. — Nate Houston

Spike Lee

Spike Lee

Anni attivi : 1977-presente
Film importanti : Se Dio vuole e da Creek Don’t Rise , Pass Over , BlacKkKlansman

Le azioni di Spike Lee sono diminuite e aumentate innumerevoli volte nei tre decenni da quando Do The Right Thing ha reso ogni evento di Spike Lee un evento imperdibile, indipendentemente dal fatto che sia considerato un successo o un fallimento. Solo negli ultimi cinque anni, ha fallito con Chi-Raq del 2015 , una satira divisiva all-star che affrontava la violenza delle bande di Chicago nel contesto di una commedia sessuale, e poi è tornato meglio che mai con BlacKkKlansman del 2018 . La vera storia di Ron Stallworth, un ufficiale di polizia che si è infiltrato ed esposto un capitolo del KKK in Colorado alla fine degli anni ’70, ha ispirato il film di maggior successo commerciale di Spike Lee da Inside Man del 2006 , e il suo miglior film da 25th Hour del 2002. Gli è valso anche un Oscar per la migliore sceneggiatura non originale e nomination per il miglior film e il miglior regista, e ha reso una star del cinema John David Washington, figlio del collaboratore di lunga data di Lee Denzel Washington. 

Solo nell’ultimo decennio, Spike Lee ha tenuto il suo piatto pieno con una vasta gamma di progetti tra cui un divertente remake del 2013 del classico film d’azione sudcoreano Oldboy , il suo primo film horror ( Da Sweet Blood of Jesus del 2014 ), documentari su Michael Jackson e post-Katrina New Orleans, e due stagioni di un reboot di Netflix della sua svolta del 1986 She’s Gotta Have It . Ma forse il suo miglior progetto recente passato inosservato è stato Pass Over . Uno spettacolo teatrale della drammaturga Antoinette Nwandu che riff creativamente su Waiting For Godot , catturato con movimento cinetico dalle telecamere di Lee, che di tanto in tanto si soffermano sui volti del pubblico, Pass Overè stato pubblicato con poco clamore nel 2018. Ma per quanto qualsiasi suo lavoro recente, cristallizza i doni di Spike Lee nel trattare il dialogo come musica e nel vedere l’America moderna come la tragicommedia triste e isterica che è. — Al Shipley

Christopher Nolan

Christopher Nolan

Anni di attività : 1989-presente
Film importanti : Inception , Il cavaliere oscuro – Il ritorno , Dunkerque

Una volta che un regista entra nel mondo del cinema in franchising, in particolare con lo stesso successo di Christopher Nolan con la sua trilogia del Cavaliere Oscuro , raramente tornano indietro, nella migliore delle ipotesi, cadono nel vecchio ciclo “uno per loro, uno per me”. Ma se Nolan ha dimostrato qualcosa nell’ultimo decennio, è che può mantenere un grande pubblico interessato a grandi idee, con o senza crociati e supercriminali incappucciati sullo schermo. E dopo aver concluso il suo periodo di Batman con il sovraffollato ma memorabile The Dark Knight Rises del 2013 , sembra più impegnato che mai nel raccontare storie originali. 

I concetti inebrianti e le nuove strutture narrative su cui Nolan si è fatto un nome con film precedenti come Memento e The Prestige sono stati portati con successo al livello di un film estivo con Inception del 2010 . E sebbene Nolan si sia imbattuto nella triste opera di astronauti Interstellar del 2014 , il suo primo film che sembrava sgretolarsi un po’ sotto il peso della propria ambizione, è rimbalzato con forse il suo miglior lavoro fino ad oggi, Dunkerque del 2017 . 

Con 106 minuti relativamente stretti, Dunkirk è stato quasi un’ora in meno rispetto agli ultimi film di Nolan, sorprendente, dato che altri registi di serie A sono spesso diventati massimalisti con epici film di guerra di tre ore. Concentrandosi su un momento chiave della seconda guerra mondiale, l’evacuazione di Dunkerque del 1940, e raccontando la storia a terra, in mare e in aria con dialoghi relativamente scarsi, Nolan ha mostrato la sua padronanza dei fondamenti del cinema, la sua capacità di raccontare una storia avvincente senza campane e fischietti intelligenti. Ma con il film sui viaggi nel tempo Tenet che uscirà entro la fine dell’anno, è chiaro che Christopher Nolan non ha finito con la fantascienza ad alto concetto. — Al Shipley

fratelli Safdie

fratelli Safdie

Anni di attività : 2007-presente
Film importanti : Il cielo sa cosa , Good Time , Uncut Gems

New York è finita e, mentre il suo tempo pre-COVID scadeva, Josh e Benny Safdie hanno realizzato parte del lavoro finale catturando la città com’era una volta. Anche l’America è finita, ma per gli scopi di questo testo New York è il centro di tutto: su questo, i trapianti in città e gli ergastolani nostrani possono essere d’accordo. I fratelli Safdie sono nati negli anni ’80, clandestini di Manhattan e Queens – i loro genitori hanno divorziato – che fino all’età adulta continuano a trattare la città come una sabbiera da modellare e distruggere. Attraverso cortometraggi e lungometraggi sceneggiati, tra cui Daddy Longlegs (2009), Heaven Knows What (2015), Good Time (2017) e Uncut Gems (2019), e un documentario, Lenny Cooke(2013), hanno raffigurato con passione una New York intransigente e brutta-bella, una capsula di Petri di Midtown disordinata dell’ansia e della precarietà del 21° secolo. In uno, un padre droga i suoi due giovani figli per coprire un turno a sorpresa al teatro dell’Upper West Side dove lavora come proiezionista. In un altro, due eroinomani setacciano la posta rubata alla ricerca di preziose carte regalo mentre piovono su di loro merda di cane benestante UWS. Un uomo tinto temporaneamente di rosso dopo una rapina fallita litiga con il manager per più tempo nel bagno di un Domino nel Queens mentre suo fratello disabile cerca di pulirsi il viso e gli occhi con l’acqua del water. Un padre dipendente dal gioco d’azzardo trascina la sua spazzatura in strada fuori dalla sua casa di Long Island dopo una cena di Pasqua tesa; suo cognato sta minacciando la sua vita per il denaro dovuto. I Safdies fanno storie d’amore.

Considera la sequenza dei titoli di coda di Heaven Knows What, una ripresa di quattro minuti in cui la protagonista, Harley (Arielle Holmes, attrice esordiente e autrice del libro di memorie da cui è tratta la sceneggiatura), naviga nell’ospedale in cui è stata ricoverata dopo aver tentato il suicidio. Non c’è nessun suono diegetico, solo lo spartito elettronico che gorgoglia lo stomaco, e c’è solo conflitto, nessuna spiegazione o intuizione, mentre Harley entra in uno scontro dopo l’altro prima di essere rapita come una bambina da un inserviente brolico; una donna con una faccia diversa da quelle che si vedono in altri film schernisce e ride mentre Harley viene portata via. È teso, anche se le riprese sono aggraziate; è anche stranamente pacifico, dopo l’improvviso orrore cruento del tentativo di suicidio. È un momento per respirare, in un luogo improbabile e un’opportunità per respirare in un luogo improbabile. 

Nel cinema dei luoghi improbabili dei Safdie non è la crudeltà ironica che persiste il vero amore. Il padre di Daddy Longlegs ama poco i bambini che ha. Harley ama il suo terribile ragazzo. In Good Time , Connie ama suo fratello Nick in un modo che lo rende stupido e spietato: è il loro film più triste. In Uncut Gems ti aspetti che Howard abbandoni o tradisca Julia (o viceversa), ma si rifiutano di smettere di amarsi. È semplicemente ridicolo. 

Dopo che tutto questo sarà finito, New York non sarà più la stessa. Ma nei film dei Safdies, avremo una delle capsule temporali più potenti dell’energia del maniaco spaccone che ha animato le sue tasche sfilacciate e fessure prima di marzo 2020. — Ross Scarano

Martin Scorsese

Martin Scorsese

Anni di attività : 1963-oggi
Film importanti : Shutter Island , The Wolf of Wall Street , The Irishman

La mortalità è nella mente di Marty. A 77 anni, ha una sana consapevolezza della propria: mortalità ed eredità sono le principali preoccupazioni nella sua ultima opera, The Irishman , ma prima di essere fattori trainanti nel suo lavoro sono stati, in retrospettiva, la forza trainante dietro il suo lavoro. Questa lista non riguarda l’eredità, riguarda il qui e ora, e Scorsese ha dato il via al decennio desideroso di non riposarsi sul suo. Lungi dall’essere contento di riposarsi sulla sua invincibile filmografia e su una recente meritata vittoria all’Oscar con un lavoro impegnativo spedito per posta, Scorsese ha trascorso gli ultimi 10 anni lanciando nuove sfide a se stesso, flettendo i muscoli nelle aree in cui erano meno definiti. Un thriller cerebrale. Un pezzo d’epoca sui sacerdoti gesuiti. Ha fatto un film per bambini!

Anche se il mainstream non è arrivato ad ogni tappa del viaggio, l’acclamazione non ha mai vacillato. Del resto, corteggiare la folla classificata R desiderosa di divertirsi con il suo specifico marchio di edonismo si è rivelata un lavoro leggero. Ha dato al famigerato agente di cambio Jordan Belfort il trattamento di Henry Hill in un tour de force che ha rappresentato così accuratamente lo stile di vita di Belfort, il film incita ancora a dibattiti sul fatto che glorifichi il suo comportamento o lo documenti fedelmente fino ad oggi. Ma ciò su cui si è d’accordo è che si tratta di un classico moderno, uno che ha introdotto i singolari talenti autoriali di Scorsese a una nuova generazione di spettatori, mentre traccia una linea di ritorno agli stilemi dei suoi film degli anni ’90 per quelli di noi che sono cresciuti su Casino and Goodfellas . 

La “rilevanza” non è certo un barometro importante per discutere dei migliori registi, ma nel caso di Martin Scorsese, che è 12 anni più anziano della persona più anziana in questa lista, va notato. Perché mentre tutti abbiamo applaudito all’unanimità per le vittorie all’Oscar di Bong e abbiamo deplorato la totale esclusione di autori snobbati come Josh e Benny Safdie, The Irishman ha meritato tutte le nomination che ha ottenuto e alcune no. Cinque decenni dopo l’inizio della sua carriera, un nuovo film di Scorsese è ancora un vero e proprio Evento maiuscolo, a meno che non sia troppo impegnato a dedicarsi a un progetto appassionato per occuparsene (guardandoti, Silence ). 

E dopo decenni di sperimentazione, quando è tornato al genere che lo ha reso un nome familiare che abbraccia generazioni (vedi: Alexa Demie ossessionata da Ginger mentre guarda Casino sul suo iPad in Euphoria ) non è stato da ricostruire sul suo terreno più familiare. Invece, ha decostruito un genere che ha aiutato a mitizzare con tanta forza che avrebbe potuto effettivamente mettere una moratoria sul film mafioso in futuro. In ogni campo creativo, le più grandi leggende non aderiscono a costrutti come picchi e numeri primi. Negli ultimi anni, Scorsese ha dimostrato più volte che non puoi ancora chiudergli la porta. — Frazier Tharpe

Steven Soderbergh

teven Soderbergh

Anni attivi : 1981-presente
Film importanti : Magic Mike , Logan Lucky , Unsane , High Flying Bird

È estremamente strano dire che un regista così prolifico come Steven Soderbergh potrebbe essere sottovalutato, eppure eccoci qui. Ecco una rapida carrellata di tutto ciò che il regista ha fatto negli anni intercorsi da Ocean’s 13 , The Girlfriend Experience , The Informant! Contagion (ne parleremo tra poco), Haywire , Magic Mike , Side Effects , Behind the Candelabra , Logan Lucky , Unsane , High Flying Bird e The Laundromat . 

I due film più riconoscibili degli undici elencati sono probabilmente The Girlfriend Experience e Magic Mike (interpretati rispettivamente da Sasha Grey e Channing Tatumm). Ma dai un’occhiata ad alcuni degli attori coinvolti in quei film – Matt Damon, Rooney Mara, Adam Driver, Jude Law, Antonio Banderas, Andre Holland e Meryl Streep per citarne alcuni – e potrebbe scioccarti sapere che erano in un progetto Soderbergh. Diavolo, Logan Lucky aveva James Bond per l’amor di Dio e nessuno l’ha visto!

Dalla fine dei film di Ocean’s , il prolifico autore è diventato più uno scienziato che un regista, entrando a pieno titolo in una fase sperimentale. Che si tratti di armeggiare con i modi convenzionali di girare un film (vedi la fotografia di iPhone di Unsane e High Flying Bird ) o di abbracciare nuovi modelli di distribuzione (come visto con Logan Lucky ), Soderbergh sembra entusiasta di lanciare una serie di cose diverse al muro in un prova a vedere cosa si attacca veramente. Forse l’abbandono dei grandi progetti in studio— Magic Mikeè stata l’ultima cosa che ha fatto all’interno dei confini di un sistema “tradizionale”, lo ha fatto cadere fuori dai radar degli spettatori tradizionali. Tuttavia, Soderbergh sembra contento di indugiare ai margini, aspettando che le persone lo scoprano quando sarà il momento giusto; guarda quante persone hanno iniziato a guardare o rivedere il contagio, il secondo coronavirus ha davvero iniziato a colpire.

Tuttavia, non dovremmo accontentarci di aspettare che esca dal laboratorio. Certo, la sperimentazione porta a risultati meravigliosi, ma ogni piccola iterazione sulla strada per una svolta è preziosa quanto la scoperta finale. Nello scrivere questo, non ho potuto fare a meno di pensare a una frase spesso ripetuta dello scrittore NBA Kevin O’Connor, che implorava i fan di non dare per scontato LeBron James . Naturalmente, l’idea è che stiamo testimoniando che qualcuno sta facendo grandi cose. Ci piacerebbe ricordarlo anche per Soderbergh. — William Goodman

Quentin Tarantino

Quentin Tarantino

Anni di attività : 1987-presente
Film importanti : Django Unchained , The Hateful Eight , C’era una volta…a Hollywood

Con Tarantino, il più delle volte si tratta prima di tutto delle parole. Dei suoi nove film, ha tre nomination all’Oscar per la migliore regia alle sue quattro per la sceneggiatura originale. Ma il 2020 è stata la prima volta che si è candidato per la sceneggiatura, il regista e il miglior film, giustamente. C’era una volta…a Hollywood non è il suo miglior film (questo onore va a Jackie Brown , personalmente, e Pulp Fiction per quanto riguarda la democrazia di questa pubblicazione) ma è il suo capolavoro, il gran finale della sua filmografia e la sommatoria di ogni tema, tropo e fissazione che ha esplorato prima, scritta in grande.

E per una volta, l’occhio di Quentin brilla più forte della sua penna. Attraverso il suo obiettivo, il film è meno un pezzo d’epoca che una macchina del tempo. Ampi scatti del Sunset Boulevard degli anni ’60 ci trasportano nell’era dell’Età dell’Oro in cui è cresciuto adorando, per non parlare del modo in cui crea il terrore durante la visita di Cliff al ranch di Spahn, o il ripristino fluido della telecamera quando Rick fa un errore sul set del suo pilota. Se la storia ha delle carenze, non sono mai molto— Hollywood è il film più sentimentale di Tarantino (a seguito dei suoi più brutti) e ogni inquadratura è un paragrafo diverso della sua lettera d’amore. 

È quasi troppo perfetto quindi che questo sia il suo finale, una meta ma prevista svolta da qualcuno che ha sempre controllato strettamente la narrativa della propria mitologia. Nell’ultimo anno, gli impegni di Tarantino su quello che sarà il suo decimo (e, secondo la leggenda, ultimo) film, ma quello che ha detto è che sarà il suo epilogo. C’era una volta…a Hollywood è stato il grande culmine, un momento lungo in divenire che in qualche modo è riuscito a essere all’altezza del fardello delle aspettative. Se Quentin sta uscendo, è al top del suo gioco. — Frazier Tharpe

Denis Villeneuve

Denis Villeneuve

Anni di attività : 1990-presente
Film importanti : Sicario , Arrival , Blade Runner 2049

Consistenza. È qualcosa che è già abbastanza difficile da ottenere su una catena di montaggio, ma in termini di campo creativo, quasi impossibile. Ovviamente, a meno che non si parli di Denis Villeneuve, l’attuale detentore del record per la striscia vincente ininterrotta più lunga di qualsiasi regista.

Tornando al 2010 ti verrebbe perdonato il fatto di non sapere chi fosse Villeneuve. Il regista di origine canadese era appena riuscito a ottenere una vera attenzione da parte dell’industria con il suo dramma in lingua arabo/francese Incendies . Tuttavia, ha avuto un grande fan nell’attore Jake Gyllenhaal, che ha colto al volo l’opportunità di collaborare. Riuscendo ad assicurarsi un umile sostegno in parte grazie al coinvolgimento di Gyllenhaal, Denis ha dato il via alla produzione nel 2012 di Enemy , un lunatico thriller psicologico su un uomo che incontra il suo doppelganger solo per avere una svolta oscura. Punzonando molto al di sopra della sua classe di peso sia nella storia che nella grafica, Enemy ha fatto una tale impressione con i dirigenti che ha guadagnato sia Gyllenhaal che Villeneuve il loro prossimo progetto prima ancora di ricevere un rilascio pubblico.

Si dice che sia stato più del quadruplo del budget di Enemy , Prisoners (2013) ha visto Villeneuve tornare a lavorare con Gyllenhaal e aggiungere la megastar Hugh Jackman. Se Villeneuve ha sussultato non si vede. Raccontando la storia della lotta di un padre per trovare la figlia rapita e il poliziotto che indaga, Prisoners offre uno dei thriller più emotivamente potenti dell’ultimo decennio, oltre a strappare a Jackman la migliore performance in carriera. Villeneuve avrebbe potuto continuare a fare film a medio budget e andare avanti. Invece, ha puntato ancora più in alto, gestendo altri due fuoricampo consecutivi con l’ampio narco-dramma Sicario (2015) che ha fruttato più del doppio del suo costo, e Arrival(2016), una complessa fantascienza extra-terrestre che gli è valsa la sua prima nomination all’Oscar come miglior regista, oltre a dimostrare la sua capacità di gestire piatti ad alto budget acclamati dalla critica.

Nel 2017 nessun film doveva essere più grande di un sequel del capolavoro del 1982, Blade Runner . Il progetto richiedeva un regista poliedrico in grado di ampliare un complesso mondo preesistente, gestendo una scala di produzione superiore a 150 milioni di dollari, gestendo il potere delle star di Ryan Gosling, Jared Leto e Harrison Ford, oltre a riempire i panni del grande Ridley Scott di tutti i tempi. Il taglio finale consegnato da Dennis Villeneuve ha fatto tutto questo e altro ancora. Cullando il mito dell’originale senza mai esserne ostacolato (ovvero Star Wars ), si tuffa più a fondo nel mondo che gli è stato affidato, basandosi sulla cruda umanità dei robot per creare un classico moderno tutto suo.

Con un remake di Dune , un’opera letteraria largamente considerata (e una volta provata) inadattabile, che sarà presentata in anteprima alla fine del 2020, Villeneuve metterà a rischio il suo record imbattuto ancora una volta con la più grande scommessa della sua carriera. Se non hai ancora imparato, la scommessa intelligente è che sarà un successo. — Nate Houston

Jia Zhangke

Jia Zhangke

Anni di attività : 1995-presente
Film importanti : A Touch of Sin , Mountains May Depart , Ash Is Purest White

Irrompere sulla scena cinematografica internazionale nel 2013 con il dramma poliziesco A Touch of Sin, Jia racconta quattro storie indipendenti tutte incentrate su scontri con la violenza. Dahai (Jiang Wu) è un povero abitante di un villaggio della Cina provinciale la cui fervente fede nel comunismo è infranta da funzionari che preferiscono comprare Maserati piuttosto che aiutare gli affamati. Zhou San (Wang Baoqiang) ci viene presentato su uno scooter mentre tre adolescenti con un’accetta cercano di derubarlo. Quello che non sanno è che ha una pistola ed è ugualmente disperato. A Xiao Yu (Zhao Tao) è stata concessa una vita borghese in una piccola città, ma è vista come inferiore perché è una donna. Xiao Hui (Luo Lanshan), un lavoratore migrante, è condannato alla povertà a causa della sua carnagione più scura e dell’accento cinese del sud. Usando il suo caratteristico stile documentaristico, Jia ci mostra una profondità di esplorazione del personaggio spesso tentata ma raramente raggiunta anche dai migliori registi.

Mentre grandi ensemble e moltitudini di storie sono all’ordine del giorno nei film di Zhangke, due elementi sono rimasti costanti in tutte le sue opere: l’uso della geografia e l’estensione del tempo per riflettere i viaggi personali. Mountains May Depart (2015), su una donna e lo sviluppo della sua famiglia diviso in tre storie, e Ash Is Purest White(2018), su una donna che si innamora di un mafioso e le conseguenze che ne derivano, abbracciano decenni e una vasta gamma di paesaggi. Spesso catturati senza dialoghi di accompagnamento, le abbondanti variazioni geografiche della Cina sono i membri del cast nei film di Jia a loro stessi. La distruzione della natura, della tradizione e delle vite per amore del profitto e del progresso nella Cina moderna gioca parallelamente alle prove del personaggio, che spesso lotta per trovare il proprio posto in questa terra in rapido cambiamento. Con tutto ciò che sta accadendo nell’ecosistema globale, le opere di Jia suscitano una risposta sempre più potente anche da uno spettatore cinese non nativo come me. È attraverso queste immagini inquietanti e l’esame della pervasiva tossicità dell’umanità che Zhangke può raggiungere un pubblico non ostruito da confini razziali o linguistici.

L’epopea di Jia può sembrare intimidatoria per argomento e portata, ma con un po’ di pazienza, sei sempre ricompensato con un film divertente. Guarda abbastanza e chissà, potresti anche ritrovarti con un nuovo regista preferito. — Nate Houston

Close Menu